OM IDENTITET I AVESTA ART

september 5, 2017

Så var det dags för Avesta Art, den årliga utställningen i det gamla Verket i Avesta. Jag var som tidigare år fylld av förväntan inför utställningen.

Årets tema är ”Identitet”, ett högaktuellt ämne. Förra årets Avesta Art utforskade ”Struktur”, i år går man djupare in. Man tolkar begreppet identitet brett och ur olika perspektiv. ”Kollektiva och individuella aspekter, frågor om kultur, historia, nationalitet, etnicitet, genus, makt och normer synliggörs i skiftande uttryck och tekniker.”

Till årets Avesta Art har man bjudit in 17 konstnärer, varav 13 kvinnor. Utifrån temat ”Identitet” är urvalet av årets konstnärer intressant. Oavsett i vilket land de är födda, så har flera av dem flyttat utomlands, andra samarbetar med konstnärer från annan plats eller land, ytterligare andra pendlar mellan olika länder i sin verksamhet eller har ateljéer på olika platser. Hur påverkar det deras identiteter och skapande? Hur påverkas vår egen identitet av vårt resandet och av influenser från internet?

Tonvikten i årets Avesta Art har inte legat på skildringar av identitet i sig, utan snarare på förlust av identitet genom tidens gång, samhällsförändringar, men också genom flykt och krig. Avesta Art är en intressant utställning där begreppet identitet belysts brett från en rad perspektiv.

Utställningen pågår till den 17 september. Ta en tur till Avesta och se den!

Resten av min text med mer om utställningen finns nu att läsa på Kulturnätverket Kultur 1, Magasin1. (http://www.magasinett.net/2017/09/om-identitet-i-avesta-art). Titta gärna in där.

2017-avesta-art

Foto: Anita Elgerot

Annonser

GOTT NYTT ÅR 2017

januari 1, 2017

Det nya året har gjort entré

Önskar alla ett riktigt

GOTT NYTT ÅR 2017!

Ett år fyllt av ljus!

jan2017-entre

(Foto: Anita Elgerot)

I somras besökte jag som vanligt södra Dalarna för årets upplaga av konstutställningen Avesta Art. Utställningen arrangeras sedan 1995 i Avestas gamla järnbruk Verket. I år medverkar sexton konstnärer från åtta länder, förutom Sverige, Storbritannien, Italien, Polen, Tjeckien, Iran, Mexiko och Kuba.

Årets tema är ”Struktur”. Det är brett och kan innefatta allt ifrån samhällsstrukturer till naturens egen inre ordning. Konstnärerna har närmat sig begreppet struktur från lite olika håll. Några skildrar strukturer som raseras. Några tar ett steg till, fokuserar på transformationen där något nytt kan ges plats. Ytterligare några visar verk där natur och vetenskap möts.

Årets Avesta Art talar till alla sinnen. Det är en mycket stark utställning som rör vid många av vår tids svåra frågor utan att för den skull tappa det historiska perspektivet. Samtidigt är det en vacker utställning. Avesta Art pågår till 18 september, så än finns tid för ett besök. Så missa den inte!

Resten av min text med mer om utställningen finns nu att läsa på Kulturnätverket Kultur 1, Magasin1. (http://www.magasinett.net/2016/08/konstutstallningen-avesta-art-2016). Titta gärna in där.

Foto: Anita Elgerot

2.Karen Oetling, Erik Ravelo 1.Karen Oetling, Erik Ravelo   Magnus Alexandersson  Petra Bauer

Vi, Anita Elgerot och Gunilla Löfgren, har samlat 10 kvinnor med olika konstnärlig bakgrund och erfarenhet. Det gemensamma är att vi är just kvinnliga konstnärer. Vi tycker att det skulle vara en intressant utgångspunkt för en utställning. ”10 KVINNOR” kommer att visa såväl måleri som foto och skulptur. Utställningen är en del av Stockholm Music & Arts.

Konst och musik är olika medier för konstnärliga uttryck. Vi vill låta färg, form, struktur och rytmen i konsten röra sig i samklang med musiken. Låta 10 kvinnliga konstnärer med sina personliga språk och uttryck genom måleri, foto och skulptur möta musiken i sommar som en del i Stockholm Music & Arts.

Samtliga konstnärer har erfarenhet av att arbeta i olika tekniker, med olika material och olika konstnärliga uttryck. Det är såväl figurativa som mer abstrakta verk.
Alla har ställt ut i olika sammanhang och på olika platser inom landet och internationellt.

Deltar gör: Gunilla Löfgren, Anita Elgerot, Majalisa Alexanderson, Naemi Bure, Fia Kvissberg, Elisabeth Norén, Margareth Osju, Eri-Maria van der Spank, Eva Ziggy Berglund, Carina Åkerman-Fijal.

Vi har smygvernissage fre 24/7 kl. 17-20 och vernissage lö 25/7 kl. 13-18.
Öppet också sön 26/7 kl. 12-18, stängt må 27/7, öppet ti 28/7 – to 30/7 kl. 12-18.
Under festivalen Stockholm Music & Arts öppet fre 31/7 – lö 1/8 kl. 12-22, sö 2/8 kl. 12-18, de tre dagarna tar Festivalen inträde till området.

24/7 – 2/8 visas utställningen på Kulturfyren, Skeppsholmen, Stockholm.
Adress: Slupskjulsvägen 26A, bakom Moderna Muséet.
Utställningen är sponsrad av Kulturfyren och Studieförbundet Bilda.

Välkomna till vår utställning ”10 KVINNOR”!

10kvinnor-2015

Lars Tunbjörk

april 11, 2015

Den fantastiske fotografen Lars Tunbjörk har gått bort.
Hans bilder har den där speciella kvaliteten som gör att de alltid berör och fängslar.

Vila i frid, rest in peace

lars-tunbjork

Förnuft och Känsla tycks ha varit ett tema under året. På TV har man visat en serie filmer baserade på Jane Austens böcker bl.a. ”Förnuft och Känsla”. DN har haft en artikelserie på samma tema. Det finns säkert fler exempel. Så under sommaren besökte jag Verket i Avesta för att kolla in och kanske bli förförd av Avesta Arts version av ”Förnuft och Känsla”.

Avesta Art arrangeras sedan 1995 av Avesta kommun. Utställningen visas i det gamla järnverket Verket som är väl värt ett besök i sig. Det är en fantastisk byggnad och ett spännande stycke industrihistoria som sommartid möter samtidskonsten i den numera årliga Avesta Art. Själv upptäckte jag Avesta Art 2006 ditlockad av konstnären Lena Berggren med familj. Jag blev helt tagen av det vackra gamla järnbruket i Avesta med sina fantastiska utställningar, en upplevelse som talar till alla sinnen. Så nu är jag tillbaka varje sommar.

Bland pressrösterna (t.ex. här, här, här, här) om Avesta Art 2012 väljer jag några ord ur Björn Wimans (DN:s kulturchef ) krönika: ”Avesta Art är en blandning av svensk industrihistoria och modern konstutställning som drabbar in på bara kroppen…. Den som inte svänger av riksväg 70 i sommar och besöker Avesta Art missar en väsentlig bild av Sverige, som det var och som det är”.

Det var ord och inga visor. Ändå kunde jag inte låta bli att fråga mig om de lyckats göra det i år igen, skapa en utställning som ger just den där sköna blandningen av Förnuft och Känsla.

I årets upplaga av Avesta Art har man bjudit in sexton konstnärer från olika länder för att visa verk utifrån temat ”Förnuft och Känsla”. Sexton konstnärer med helt olika uttryckssätt i Verkets speciella miljö. I Verket finns inte galleriernas traditionellt vita väggar, utan konsten får interagera med det gamla järnverkets rum av grönskimrande slaggstenar, med roströd metall och kraftiga träbjälkar. Liksom förra året hade man även bjudit in en filmskapare och en skapare av konst för barn.

I katalogtexten för Avesta Art 2012 läser jag: ”Förnuft och Känsla är tillgångar som vi människor tillskriver oss själva. Två tentakler som gör att vi kan navigera i tillvaron – relatera till vårt eget jag och andra människor, till natur och världsallt, till all den verksamhet som vi människor åstadkommer. Begreppen utmålas ofta som motsatser. Ibland lyfts de fram som signum för det mänskliga – det som skiljer oss från andra arter på planeten Tellus.”

Johnny Boy Eriksson har på plats byggt upp ett storslaget verk helt i brun packtape. Verket är byggt runt de trästrukturer som fanns på plats. Mannen och kvinnan sitter som fastklistrade i väggen av rosor, de tycks ha förlorat både viljan och förmågan att ta sig loss. De är omgivna av höga träd vars långa rötter sträcker sig mot besökarna. Människorna och naturen, rosorna och träden sitter fast i varandra, är ett. Mitt i detta kvävande bruna landskap finns en vit figur. Man ser bara hans huvud och ena armen som sträcks mot besökaren. Han försöker ta sig fri, bryta sig loss. Han får stå för motståndet, för hoppet och för alla möjligheter.

Bredvid finns rummet med det jag kallar konst för barn. I år visas Inger och Lasse Sandbergs underbara och egensinniga barnboksvärld med böcker, film och föremål. Vi får möta Lilla Spöket Laban, Lilla Anna och Långa Farbrorn, Tummen. Älskade figurer som när de först kom var del i en helt ny slags barnbok. Underbara bilder och berättelser som klart försvarar sin plats i årets Avesta Art.

Man visar några filmer av Johannes Nyholm bl.a. den uppmärksammade ”Las Palmas” där han filmade sin då 1-2-åriga dotter. Filmen belönades med en Guldbagge.

Under Lennart Rodhes verk ”Avestaström” kan man se den finländske konstnären Topi Ruotsalainens fantastiska verk. I sina fotorealistiska målningar skildrar han den enskilda människans förhållande till gruppen och vice versa. Det är vardagliga situationer som alla kan känna igen sig i. Det är lätt att spegla sig i hans verk, att växelvis identifiera sig med en i gruppen eller med den som är utanför. Hans verk är djupt medmänskliga och existentiella.

Den italienske konstnären Giacomo Costa arbetar med fotografi. Han omformar bilderna digitalt, förstorar upp dem och trycker dem på stora dukar som är uppspända som segel på rörställningar. Motiven är civilisationens undergång med ruiner, ödslighet. Samtidigt ger bilderna inget kusligt eller mörkt intryck. Mitt bland ruinerna vibrerar det av liv, av nya möjligheter. De mycket vackra bilderna talar mer om transformation till något nytt, till något annat, än om alltings slut i den stora undergången.

Lena och Andreas Johansson har tillsammans arbetat med en installation i mixed media, olja, papper, lim. De har byggt upp kulisser till en låtsasvärld med porträtt av människor som mest tycks höra hemma i en värld där allt är yta och man inte riktigt kan avgöra vad som är verkligt.

Liknande associationer ger Cassandra Rhodins porträtt av poserande människor och djur. Bildsviten ”Animal Planet” är fint gjort i Art déco-inspirerad stil. Motiven för tankarna till hennes bakgrund, att hon kommer från en cirkussläkt.

Vanna Bowles. ”Bush Stories” fascineras även hon av ytlighet och de fasader människor värnar om.

Här och där i Verket, på de mest oväntade ställen hittar man Pontus Ersbackens skulpturer i olika material. Han låter plats och skulptur interagera, och lägger till ytterligare en dimension skuggan genom sin sinnrika belysning. De ofta fritt hängande skulpturerna och deras skuggor fungerar på ett fascinerande sätt som helheter. De rör sig stilla när man passerar förbi. Jag kommer på mig själv med att spana in i Verkets skrymslen och vrår för att inte missa någon av hans skulpturer.

Achilleas Kentonis och Maria Papacharalambous från Cypern har tillsammans gjort en större installation i mixed media. I mitten står ett lågt runt podium täckt av vit duk. På duken visas film, som betraktaren kan se från olika håll genom att gå runt podiet. Runt detta finns flera textila verk och skulpturer i olika material, bl.a. finns ett antal sovkuddar dekorerade på olika sätt. Titeln är ”Sensitive Sensitivity”. Det är ett djupt existentiellt verk som griper tag. Ett försök att utforska de ogripbara mellanrummen mellan dröm och vakenhet, mellan fantasi och verklighet. Ett utforskande av vad som kan hända när vi försöker fånga våra drömmar och önskningar, balansen ruckas, och nya möjligheter kan frigöras. Det är ett verk som berör på djupet med sitt användande av vardagliga föremål och material, sin ovanliga uppbyggnad, innehåll och mångsidighet.

Henry Grahn Hermunen var även med i förra årets Avesta Art med verket ”Livets Flod” i foto på glas. I år återkommer han med samma verk, men denna gång har han utökat med ytterligare två bilder. De vackra naturfotografierna i lager på lager på glas visas fritt hängande sida vid sida. Samtidigt projiceras de på golvet nedanför. Naturbilderna och deras reflexioner rör sig fram och tillbaka i mellanrummet mellan naturen och vår uppfattning av den, mellan verkligheten och oss själva, prövar var gränserna går här och nu.

Matti Kalkamo är född i Finland. På Avesta Art visar han två skulpturgrupper. ”Destination Salvation” visar människor på kyrkbänkar. Ansiktena, som belyses ett och ett i slumpmässig ordning, är i blank aluminium. Kropparna är omsvepta av mörka tygstycken. Allt är i naturlig storlek. Det är mäktigt, känns som man är del av andakten. På väggen bredvid sitter hans andra verk: ”Armfull of preparation”, där utsträckta armar bär fång av grenar. Poetiskt, skirt och vackert och samtidigt jordnära.

Mikael Ericssons verk ”Myrnebulosan” är en installation med video, UV-skulptur, ljus och ljud, som finns i ett 200 kvm stort rum med rundade väggar. Man känner sig som om man befinner sig ute i universum. Det finns en stor himlakropp med olika delar som lossnar och far över himlen på oväntade sätt. Och så myrorna som på myrors vis ständigt är i rörelse, flitigt jobbar på, bygger en maskin. Man är helt innesluten i konstnärens universum dels rent fysiskt genom att vara i rummet, dels mentalt och perceptuellt, men det är ett okänt universum. Det ser ut som en lek, men en lek som kamouflerar något annat, något som handlar om vår egen existens, vår framtid.

Guangjuan Zhang. Född i Kina, men bor och verkar i Sverige. Hon visar två verk. Den ena är som av nät, visar en jättes hand som välkomnar en besökaren formad som ett huvud. Skulpturen är av trä och lyser röd av UV-färg. Den förändras när man går runt den, ändrar uttryck. Mest förtjust är jag dock i det andra verket ”Degree Zero” skulpturer i varmlaminerad aluminiumplåt. Ett antal kvinnofigurer är delvis utskurna ur den vita plåten. Det ser ut som om de själva är på väg att frigöra sig . Vissa lyckas mer, andra är i sin början. Genom belysningen uppstår mörka skuggfigurer som tycks samspela med de vita plåtfigurerna. De samspelar, ibland kämpar de med varandra, ibland tycks de följas åt. De vita och mörka figurerna är på samma gång ett och separata, ibland bara sammanlänkade med sina händer. Djupt fascinerande bilder av vår egen identitet, våra relationer, våra liv.

I Avesta Art har man lyckats på ett imponerande sätt blanda och ge olika vinklar och ingångar till Förnuft och Känsla.

Men enbart förnuftet då? Har inte det blivit tillfredsställt av konsten så kan man titta runt i Verkets övriga interaktiva utställningar med historia, naturvetenskap, eller varför inte göra lite musik med skrotinstrument.

Innan jag lämnar Verket och Avesta Art så går jag och ser på ”de gamla godingarna” i de permanenta samlingarna. Till dem hör framför allt Kjell Engmans installation i glas ”Vita frun”. Även Tomas Nordbergs ”Ett stycke tid” växer i mina ögon för varje besök, liksom Lennart Rodhes ”Avestaström”.

Avesta Art visas t.o.m. söndag den 9 september. På lördag kväll firar man traditionsenligt sista natten med konsten med musik, mingel, eldshow & halmskulpturer.

För den som har missat årets Avesta Art och inte har möjlighet att åka dit i helgen så finns den fina utställningskatalogen att ladda ner från Verkets/Avesta Arts hemsida. Gör det och missa inte att också planera in en tripp till Avesta nästa sommar.

Foton Anita Elgerot

Ai Weiwei på Magasin 3

april 15, 2012

För många blev Ai Weiwei ett stort namn i världen i samband med OS i Beijing (2008), när han tillsammans med två schweiziska arkitekter skapade olympiastadion ”Fågelboet”. En fantasifull stadion som man tidigare inte sett maken till, med en design inspirerad av en kinesisk korg.

Samma år inträffade en kraftig jordbävningen i Sechuan i Kina. En stor mängd barn dog när deras skolor rasade samman. Misstankar väcktes att de varit för dåligt byggda. Ai Weiwei protesterade. Han gjorde också ett konstverk av 9000 ryggsäckar och citatet ”under sju år levde hon lyckligt i denna värld”. Det har visats på fasaden till Munchens Konstmuseum (2010).

Sedan dess har Ai Weiweis namn regelbundet synts i tidningsspalterna. Konstnären, arkitekten och aktivisten som utmanat den kinesiska staten med sina uttalanden i media, blogg och twitter. Han har använt sin berömmelse till att uppmärksamma missförhållanden.

Ai Weiwei föddes 1957 i Beijing i Kina. Hans far var poet. Fadern kritiserades av Mao och kulturrevolutionen för en dikt han skrivit. Han förvisades till utkanten av Gobi-öknen med sin familj och sattes i arbetsläger. Där växte Ai Weiwei upp. Han präglades av detta och lärde sig tidigt vilken betydelse och inneboende sprängkraft som finns i kreativiteten.
Här i Europa har vi sett politiskt motstånd utan våld genom t.ex. poesi i Polen och sångkörer i Estland.

Efter knappt tjugo år fick familjen flytta tillbaka till Beijing. Ai Weiwei studerade på Beijings Filmhögskola och var också med och grundade den avantgardistiska konstnärsgruppen ”Star” i slutet av 1970-talet. Några år senare flyttade han till New York. Där studerade han design och umgicks i konstnärskretsar. Efter drygt 10 år i New York återvände Ai Weiwei till Kina när hans far blev sjuk. Han har berättat att han behövde, ville ta ansvar, ville vara del i landets utveckling och på allvar ta ansvar för sitt konstnärliga skapande.

Ai Weiwei är således väl känd som politisk aktivist och mikrobloggare. Men hur är Ai Weiwei som konstnär? Hans största konstnärliga inspirationskällor är Marcel Duchamp och Andy Warhol, ready-mades. När han kom tillbaka till Beijing satte han upp en studio inspirerad av Andy Warhols studio The Factory.

Louisianna i Danmark visades tidigare i år en utställning med Ai Weiweis verk. Två av hans verk köptes in till deras permanenta utställning och kommer att visas där.

För första gången i Sverige visar man nu Ai Weiweis verk på Magasin 3 i Stockholm. I anslutning till utställningen har man dessutom med stöd av och tillsammans med en rad institutioner och organisationer anordnat en intressant programserie. Mer information finns på Magasin 3:s hemsida. På Magasin 3 finns också ett läsrum med en mängd material om Ai Weiwei. Konstnären har reseförbud och kunde inte närvara vid vernissagen. Utställningen har dock utformats i direkt samarbete med konstnären.

På väg till utställningen hade jag på näthinnan de fantastiska bilder jag sett från Tate Modern i London, där han 2010 visade sina ”Solrosfrön” (”Sunflower Seeds” 2009). Under 2½ år hade Ai Weiwei låtit 1600 personer tillverka och handmåla 100 miljoner solrosfrön i porslin. De täckte golvet i Tate Moderns stora turbinhall. Tänk om man varit där, kunnat ligga ner på solrosfröna, som på en sandstrand och låtit dem sila mellan fingrarna.

Solrosorna har varit en symbol för det kinesiska folket. Mao framställdes ofta som solen eftersom solrosor alltid vänder sig mot solen. Dessutom, när människor svalt åt många solrosfrön. Så dessa solrosfrön i porslin är monument över den tiden, men också över vår förmåga att gå vidare, över transformation.

Nu på Magasin 3 fick jag se en liten del av dem. I en perfekt konformad hög i en av salarna ligger 5 miljoner av de oerhört vackra solrosfrön i porslin. Tyvärr är det strängt förbjudet att röra dem. Men där ligger de, en fantastisk känsla. Solrosfröna är gjorda genom kopiering och massproduktion. Men samtidigt är alla solrosfrön individuella, inget är det andra helt likt, inte ens bland de totalt 100 miljoner fröna finns det två exakt lika. Det är som med snöflingorna – eller oss människor.

I ett av verken (”World Map” 2006-2009) har han låtit en fabrik, som vanligen tillverkar T-shirts, stansa ut olika former i tunt bomullstyg. Varje form stansades ut i tusental. Var för sig är det omöjligt att se vad de föreställer precis som man i vanliga produktionen inte vet vilken del av ett plagg man stansar ut. På utställningen hade varje form av tyg lagts i tusentals tunna lager i en hög trave med löst liggande tyg. När man ställde de olika högarna av former bredvid varandra, kunde man se att de tillsammans bildade en världskarta.

Ai Weiwei är fascinerad av den förrevolutionära historien, av dess kultur och hantverk. Under flera år studerade han den historiska utvecklingen inom formgivning, teknik och hantverk, studerade den ur olika aspekter. I sin konst använder han objekt man skulle kunna kalla ikoniska, objekt med stort värde för kineser av såväl kulturella som praktiska skäl. Dem använder han sedan utan att ta hänsyn till deras inneboende värde som t.ex. i konstverket ”Stool” (2008) som visas på utställningen.

I det verket syns tydligt Ai Weiweis inspiration av Duchamps ready-mades. Pallarna är kinesiska antikviteter från Qing-dynastin (1644-1911) gjorda med traditionella hantverksmetoder. Ai Weiwei har försiktigt tagit isär två pallar och sedan på sitt eget sätt fogat ihop dem med varandra, användande gamla hantverksmetoder utan spik. Det nya objektet har förlorat sin ursprungliga funktion, har övergått till att bli ett konstverk.

Weiwei använder, tar isär, förstör det gamla för att skapa något nytt. Han arbetar mycket med motsatsparet skapa – förstöra. Att ta isär, sätta ihop på nytt, men på ett nytt vackert sätt med omsorg. I en intervju talar Ai Weiwei om hur allt förstördes under kulturrevolutionen. Men han menar att om man förstör något måste man verkligen förstå vad man gör, så att handlingen skall bli vacker. Då kan det ursprungliga och det nya samexistera i den nya kroppen. Det skapar spänning och kraft.

Efter kulturrevolutionen tog industrialiseringen fart, vilket innebar en enorm förändring av Kina. Ai Weiwei har skildrat det i flera verk. Ett av de mer kända är när han (1995) släppte en 2000 år gammal Han-vas i marken, som om den förkroppsligade och innehöll historien. Handlingen fotograferades och fotona har visats. Ett annat verk är när han täckte antika urnor med industrifärg i starka färger, på vissa skrev han Coca-Cola.

På utställningen på Magasin 3 har han i ett verk (”Ghost Gu Coming Down the Mountain”, 2005) utgått från en sällsynt antik vas från Yuanperioden (1269-1368), den dyraste asiatiska vas som sålts på auktion. Vasen har en dekor som löper runt hela krukan och är från ett gammalt träsnitt. Tillsammans med Serge Spitzer har Ai Weiwei gjort en installation med 96 till formen identiska krukor uppställda som en rektangel med 8 x 12 krukor. På baksidan är de helt odekorerade. När man går runt installationen ser man att var och en av dem återger en liten bit av motivet från originalvasen. Endast tillsammans bildar de 96 vaserna det fullständiga motivet, den fullständiga berättelsen.

År 2007 deltog Ai Weiwei i Documenta 12 i Kassel, Tyskland med projektet ”Fairytale”. Det var ett stort projekt där han bjöd in 1001 kineser i åldrarna 2-70 år med olika bakgrund att utan kostnad resa till Kassel under en vecka under utställningsperioden. Han ville gå utanför de förväntade ramarna och skapa något tillsammans med människor. Förutom det praktiska arbetet med urval av deltagare, pass och visum m.m. så innehöll ”Fairytale” flera delprojekt.

Deltagarna reste i grupper till Kassel. Till dem ordnades ”Fairytale Dormitory” med olika sovsalar där 200 deltagare åt gången kunde övernatta under vistelsen. Ai Weiwei designade sängar, sängkläder, T-shirt och resväskor till deltagarna i olika mönster. Till Kassel skeppades också 1001 antika stolar (Qing-dynastin, 1644-1911). De placerades ut över utställningsområdet för att påminna om kinesernas närvaro. Man ställde in 200 av stolarna i sovsalarna för deltagarna att lägga kläderna på. Alla deltagarna fotograferades en och en på plats. Hela projektet videofilmades.

En av dessa sovsalar med tio bäddade sängar visas i utställningen på Magasin 3. Kuddarna är stoppade med te. Vid var fotända står de individuellt designade resväskor som deltagarna reste med. Salen är här liksom i Kassel omgiven av tygskynken. Man kan skymta de antika stolarna. På de omgivande väggarna sitter stora foton av deltagarna. Allt blir ett intresseväckande porträtt av en sovsal och dess tillfälliga boende.

På utvägen stannar jag till vid de fyra videoverken, filmer av trafik på Beijings ringleder samt en film av gamla delen av staden (2003, 2004, 2005).

Jag kan inte låta bli att fascineras av utställningen, av Ai Weiweis verk. Verken är genomarbetade och vackra i sig. Man får ju inte röra dem, men de tycks inbjuda till att känna på dem, känna ytan. De har alla en mjuk sensuell yta oavsett materialet de är gjorda av.

Lägger man sedan till bakgrunden, hans inspiration av både den moderna konceptuella konsten och det historiska arvet samt hans förmåga att kombinera dessa influenser på de mest oväntade sätt, då kan man inte bli annat än imponerad.

Själv säger Ai Weiwei, att i grunden vill han bara göra konst. Med den arbetar han utan rädsla, i strävan att vara sann mot sig själv och sina projekt. Om sin konst säger han att det är ”bara när konsten knyter an till allmängiltiga känslor och förnuft som den blir verkligt kraftfull”.

Med citat som: ”kreativitet är makten att avfärda det förgångna, att förändra status quo och att söka nya möjligheter” och ”individens frihet och ansvar är enda vägen till ett fungerande och humanitärt samhälle” ger han kreativiteten och kulturen en tung vikt i världen idag.

Utställningen på Magasin 3 pågår till 10 juni. Missa inte att se den.

Den här texten finns också publicerad på Magasin 1.

(mer att läsa här, här, här, här, här)